Zaragoz.ana

Kurosawa decía que sin sus películas no era nada y es que pretendió en ellas plasmar sus experiencias y conocimiento acerca de todo aquello que le rodeaba.  Por ello Kurosawa con su obra no sólo pretendía conocerse a si mismo, sino con ello, darnos lecciones al resto sobre lo aprendido por él.  Este director encauzó su vida y su cine a marcar conocimientos sobre pasiones y sentimientos que tanto nuestro instinto como nuestra condición social marca sobre nuestro desarrollo propio. Así pretende que nos conozcamos a nosotros mismos y, gracias a ello, aportar a la mejora en nuestra condición de seres humanos.

Gran parte de la maestría de Kurosawa proviene de su característica de admirador. Desde su infancia los conocimientos culturales entraban en su mente como un torrente de ideas imparable. No sólo del cine occidental del que muy pronto se quedó prendado con gente de la talla de John Ford, Howard Hawks, Antonioni, Buñuel, Bergman, Chaplin sino de muchas más corrientes artísticas como la pintura, literatura, teatro o la música  de las que bebió incansablemente.

La pintura destaca dentro de sus películas dado la importancia que da al color en la mayoría de sus obras. En “Ran“, por ejemplo, durante las batallas todo es gris mientras que en las casacas de los combatientes brillan relucientes los colores de su bando. En “Los sueños de Akira Kurosawa” además de jugar constantemente con elementos coloristas una de sus historias está dedicada a la figura de Van Gogh.

La literatura también ha sido otra de sus grandes pasiones.  Ha versionado obras de grandes clásicos como Shakespeare o Dostoievski en varias de sus películas. Estos autores, des mismo modo que Kurosawa, proferían en sus obras una gran importancia por los comportamientos humanos, la relación entre éstos y el mundo que les rodea.

En cuanto al trasfondo comunicativo se podrían distinguir en este director dos principales vertientes. La primera de ellas se centraría en la denuncia social de ciertas realidades que existían en su entorno. Entre ellos se puede destacar algunos como la pobreza, la prensa sensacionalista, la corrupción o la preocupación social tras las explosiones atómicas de Hiroshima y Nagasaki.  La segunda, de más trascendencia universal, se centra en dilemas morales del ser humano con los que la mayoría del mundo se siente identificado. Fue sobre todo con este cine con el que consiguió hacerse un nombre en la esfera internacional.   El ansia de poder, la amistad o el egoísmo son entre muchos otros los temas universales que trata.

El uso de los diálogos también es muy importante en gran parte de sus películas. Ellos contienen la gran fuerza que necesitan las buenas películas para poder serlo. Los personajes perfectamente caracterizados se nutren de ellos para llenarlos de matices y enriquecerlos enormemente.  Viene a mi cabeza uno de sus personajes protagonistas, Dersu Uzala, el cual embelesa los oídos del espectador constantemente pero con pocas palabras. El acercamiento y simbiosis con la naturaleza que posee este humilde cazador consigue, con sus palabras, darnos cuenta de lo poco desarrollado que tenemos nuestro instinto natural.

Pero Kurosawa no sólo es un maestro por sabes construir historias y personajes ya que para ello utilizó todas las armas posibles dentro del ámbito audiovisual. La climatología, por ejemplo, suele ser un elemento muy utilizado por Kurosawa y en un principio parece no tener un gran significado trascendental pero lo cierto es que sí lo tiene. Este elemento para Kurosawa representa la naturaleza en estado puro. Ésta, forma parte de nuestro mundo y del mismo modo que nuestras pulsiones, se manifiesta sin reparo alguno. Por ello se denota en sus películas, siempre con gran componente dramático, una intención de obtener estados climatológicos extremos. Del mismo modo Kurosawa también pretende conseguir de sus personajes estados de ánimo muy intensos y muchos de sus personajes pueden pasar en un momento de la risa más escandalosa, al llanto más desconsolador.

La técnica, para Kurosawa, siempre fue un elemento fundamental para un maestro en lo que significa “hacer cine”. Fue un gran adelantado a su tiempo y jugó con luz, planos, ritmo y color de manera espléndida sacando a cada situación el máximo de sus posibilidades comunicativas. Dio pasos agigantados e incluso superó a las nuevas técnicas desarrolladas en occidente. Para Kurosawa no solo importaba dar una lección con las historias sino que tenía verdadera pasión por mostrarlas de la manera más enriquecidamente posible gracias a todos los elementos de los que disponía. Entiende por tanto la importancia de una buena comunicación para conseguir hacer captar el mensaje de la mejor manera posible. Se dice de él que obligaba a repetir tomas hasta la saciedad, que no reanudaba el rodaje de una toma hasta que las condiciones climatológicas eran las ideales o que la opción multi-cámara, para captar varios ángulos a la vez, era su favorita.

Además  este modo de expresión técnica de Kurosawa muchas veces contenía connotaciones psicológicas sobre el espectador. En “Rashomon” vemos como el director, extrañamente, no utiliza la figura de un personaje que represente a la competencia judicial que investiga el caso de asesinato. El personaje está pero no está. Los acusados miran directamente a la cámara y explican al espectador su versión de los hechos, los cuales son la base de esta película. Utilizando esta técnica Kurosawa pretende que el espectador se sienta en el difícil lugar de escuchar las distintas versiones que componen la historia y el deber de determinar una de ellas como verdad. Pretende facilitar así la consecución de la idea principal de la historia. Nuestra condición de seres moralmente débiles conlleva que el propio egoísmo de los protagonistas atraiga inevitablemente a la mentira.  La técnica de Kurosawa como se demuestra en este caso está a las órdenes de la transmisiones de ideas fundamentales.

Kurosawa demuestra con todos los elementos que componen su cine que es un pensador e investigador sobre la sociedad. Un intachable transmisor de aquello que conoce gracias a su estudio. En último término un apasionado de la figura humana.

Como conclusión me gustaría considerar la cuestión que planteaba al comienzo de mi exhausta y placentera investigación que tanto ha entretenido mis vacaciones de Semana Santa. Y concluyo que, sí, este director es merecedor de estar en esta lista y muchas más que de esta índole trataran.  Es más, pienso que si hubiera elegido a muchos de los otros  personajes, no hubiera llegado a una clave tan clara al respecto de lo que su persona aportó al devenir histórico de la sociedad.  Akira Kurosawa sin firmar tratados, sin formular teorías, sin dirigir un país, consiguió mucho más de lo que en primer término parece. Su ámbito no fue el económico o el político tan determinantes en la sociedad de hoy día, sino el cultura. Pero dentro de éste ámbito consiguió asombrar a la antropología. Con su obra mostró al humano al propio ser humano. Retratarlo y mostrarlo, rodearlo de un mundo y unas circunstancias. Todo ello para hacernos pensar sobre lo que somos en lo más profundo de nosotros mismos. Comprender la complejidad que nos rodea y así  ayudarnos a ser mejores personas. Kurosawa vivía para ello. El dijo, como antes he citado, que sin su cine no era nada. Toda su existencia por tanto consistía en ofrecer un valioso aprendizaje a la sociedad. Muchos del resto de personajes de la ya famosa lista  verán su historia empobrecida con el tiempo pero las obras de Kurosawa seguirán intactas y perdurables muchísimo tiempo pudiendo darnos lecciones morales de manera incansable.

Akira Kurosawa es un director de cine japonés que vivió y desarrolló su carrera fílmica entre 1910 a 1993. Como primeras pinceladas sobre las características que de él conozco me gustaría destacar que es el primer y único director japonés que con sus películas, a mitad de siglo S.XX, consiguió hacer dar media vuelta a la sociedad cultural de la época. Demostró así, que su cine, aún encontrándose en Asia, estaba a la altura del resto de buen cine que se desarrollaba en occidente. Y es que Kurosawa con sus obras demostró muchas cosas al mundo. Además de hacer un cine técnicamente con mucha riqueza, éste trataba de grandes dilemas humanos y morales a los que se enfrenta el hombre.

Pero para ir más allá y ahondar en estas ideas deberemos estudiar la historia de su país y la época en la que vivió, su vida profesional y sus películas para poder conocer más sobre la aportación que este hombre hizo al mundo que le rodea y poder entender así su acercamiento a la filosofía y al conocimiento humano.

Empecemos con su país de procedencia. Japón, el país donde nació este afamado director de cine, es un conjunto de islas del Pacífico que tradicionalmente ha basado su sistema social en las bases del conocido como Antiguo Régimen. Emperadores lo cuales inevitablemente perdían poder frente a cortes nobles y regentes o gobernantes militares de las regiones. La servidumbre a éstos se encontraba por encima de los derechos individuales de la mayoría social.  Su posición respecto del resto de Asía les permitió siempre ejercer un proteccionismo extraordinario de sus costumbres y sus formas de vida.

En el S. XVI  con el éxito del mercantilismo y las rutas comerciales impulsadas por el mundo europeo no tardaron en llegar misiones cristianas a Japón. Éstas pronto serían expulsadas como medida de protección. Desde entonces, Japón, obsesionado con la perdida de sus valores, cerró a cal y canto sus fronteras hasta 1854 gracia a un tratado con EE.UU. que acababa con este aislamiento voluntario.

Este cambio creo controvertidas opiniones dentro de la facción social gobernante y acabó enfrentando a gran parte del país. Finalmente, estas disputas acabaron en torno a 1870 con el sistema feudal y con la creación de instituciones gubernamentales democráticas  que devinieron en la adopción del resto de reformas económicas, sociales y militares a las que muchos países  en todo el mundo ya se habían unido.

Así, como vemos,  Japón mucho más tarde que el resto de países, cambió de rumbo. Pero, aún con todo, consiguió acercarse al nivel de las principales potencias mundiales convirtiéndose en referente asiático de progreso económico.

En este ambiente es en el que nació Kurosawa en 1910. La primera Guerra Mundial siguió beneficiando al país gracias a la Europa devastada. Sin embargo, la Gran Depresión y la recuperación de Europa le hicieron perder mercado. Esta situación provocó  mal estar social que desembocó en un control estricto de la educación, fortalecimiento del arsenal bélico y una política exterior agresiva que pretendía la conquista de territorios. Finalmente su participación en la 2ª Guerra Mundial a favor del bando Alemán terminaría con la actitud provocadora japonesa. Tras perder la Guerra, EE.UU. ocupó el territorio nipón durante varios años. Desde entonces Japón ha abrazado  el sistema económico capitalista siempre manteniéndose como una de sus principales potencias.

Kurosawa con su cine no dudo en retratar aspectos sociales tanto de la realidad de la época que le tocó vivir como de la cultura ancestral de la que bebió, y que, casi intacta se conserva en ciertos lugares de Japón. El propio Kurosawa refiriéndose a los japoneses habla de ellos como pueblo que ha acatado sin rechistar los cambios que el devenir histórico les ha traído. Muchos de sus personajes parecen encontrarse atrapados dentro de un contexto social que colisiona con las pulsiones interiores que en ocasiones los dominan. “Rashomon” es un gran ejemplo de ello. Los tres personajes presentes en el acto delictivo, que sirve de hilo conductor, tienes unos roles de comportamiento marcados. Sobre todo el marido y la mujer pero incluso el ladrón. Ninguno de ellos escapa a la frustración de no haberse comportado como debían según marcan las convicciones sociales.

Pero para seguir adentrándonos debemos mirar su vida, la cual, también da algunas claves para entender su obra. Nació el 23 de marzo de 1910 en un pueblo de la provincia de Tokio convirtiéndose en el menos de 7 hermanos. Su condición familiar era superior a la media ya que su padre era Oficial de Instituto del Ejército. Akira estudió Bellas Artes mejorando allí sus aptitudes como pintor. Aunque ésta parecía ser su vocación desde joven, por lo visto, decidió finalmente abandonarla  por culpa de frustraciones personales que no le permitían desarrollarla con plenitud.

Finalmente su interés en el cine le llevó a trabajar en 1936  en unos estudios cinematográficos de Tokio. Primero como ayudante de director, y más tarde como guionista. Así conseguiría finalmente en 1943 crear su primer trabajo fílmico. Pero lo cierto es que  sus primeras obras, hasta el fin de la 2ª Guerra Mundial, poseían obligados tintes nacionalistas por culpa del gobierno bélico de la época. Tras el fin de la contienda realizó 7 películas en 5 años pero sería con “Rashomon”, en 1950, con la que conseguiría el reconocimiento internacional gracias a ser premiada con el León de Oro del Festival de Venecia y un Oscar. Gracias a su éxito siguió realizando películas entre las que se encuentran algunos de sus mayores éxitos como “Los Siete Samuráis”. Pero, a partir de 1965, por el fracaso comercial de sus dos últimos trabajos dejó de encontrar productores para sus cintas. Estos hechos lo sumieron en una gran depresión pero finalmente con el apoyo de la Unión Soviética consiguió rodar en 1975 “Dersu Uzala”, con la que volvió a conseguir otro gran éxito. Aún así, el resto de películas que rodó hasta su muerte, en 1993, necesitaron de la ayuda económica de amigos y admiradores como George Lucas, Steven Spielberg o Francis Ford Coppola.

Esta extraña situación al final de su trayectoria profesional parece tener una posible explicación a la vista del estudio realizado estos días sobre su persona. Podría explicarse por el hecho de que Kurosawa demuestra fehacientemente en su trayectoria ser un director muy purista. Por ello, incapaz de determinar sus proyectos según barómetros de ventas, modas u otros aspectos similares los cuales cada vez son más importantes para los dueños del cine, es decir, esas personas que al poner su dinero lo único que pretenden es recuperarlo con creces. Esto no parecer ir con Kurosawa, su cine lo demuestra. Cada personaje, cada contexto merece un tratamiento propio y conciso para hacer llegar una lección al espectador. Todo ello va más allá de los meros éxitos de taquilla.

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Alguien me plateo el reto de intentar averiguar por qué Jean Luc Godard afirmaba utilizar el traveling en su cine como una cuestión moral. Intente buscar información en Internet para poder entender lo que la frase de Jean-Luc pretendía significar pero la información vertida en ellos parecía no explicar a qué se refería este hombre con su afirmación. Necesitaba algo más para poder conseguir algo. Poco después caí en la cuenta de que hace tiempo intente buscar películas de este director pero creí recodar que no había tenido mucha suerte. De todos modos busqué y finalmente encontré la película “Alphaville” así que decidí verla para ver si con ella podía sacar algo. No estoy segura de haber llegado al fondo de la cuestión pero espero haberme acercado al menos en algún aspecto.

Al comenzar a ver la película me di cuenta de que desde el principio este autor muestra claramente su predilección por el travelling. Lo usa incluso en situaciones innecesarias, donde podría no complicarse tanto. No sólo eso sino que sus travellings son muy característicos por varios motivos. Todos están hechos con la cámara al hombro, sin utilización de grúas o raíles. Los movimientos no parecen buscar la perfección. Pequeñas oscilaciones que parecen involuntarias o filmados por un novato se denotan en travellings que parecen sencillos.

Aspectos así me llevaban a pensar en una cierta intencionalidad del director en que estos planos en movimiento representen la idea de que la cámara es una persona, unos ojos humanos queriendo convertir al espectador en un verdadero observador omnipresente que se encuentra en el lugar del objetivo siendo él, el que está siguiendo la acción con sus propios pies y con los movimientos propios de un humano. Movimientos imperfectos en los que es inevitable notar el vaivén de los pies y de muestro propio cuerpo, tal y como presenta Godard sus travellings.

Otro detalle en la técnica formal utilizada por Godard que me confirman la obsesión de este autor por meter al espectador dentro hasta el interior más profundo de la acción, son los planos subjetivos en los que dos personajes se miran a los ojos, es decir, un personaje mira a la cámara como si mirara al otro. Hay varios planos así en Alphaville y además estos planos los utiliza en situaciones en las que estas dos personas están frente a frente y a menos de un metro de distancia colocando al espectador cara a cara con el personaje.

Con todo esto, lo observado en la película Alphaville, no tendría argumentos suficientes para hacer el trabajo. Porque aunque crea haber sacado una significación al uso de estos planos; ¿Qué tiene que ver con una cuestión moral? Lo que he leído sobre Godard es lo que realmente me ha ayudado a cerrar un razonamiento lógico sobre un posible significado de su famosa frase.

Godard tuvo una agitada vida política en cuanto a que formó parte de la famosa revolución cultural y social de Mayo del 68 en Francia. Creó en colaboración de otros cineastas como Jean Pierre Gorin y Juliet Bertó el colectivo “Dziga-vertov” haciendo gala al célebre director ruso. En su vida se posicionó en contra del comercionalismo y la industria cinematográfica ya implantada. Éstos, durante las revueltas en París sacaron las cámaras a la calle produciendo la famosa contrainformación procedente de la revolución rusa que pretendía hacer frente a la revolución capitalista imperante.

No solo eso sino que este director introdujo sus ideales también en su trabajo. No sé mucho a cerca de sus demás películas o si ha dado la casualidad de que la película que yo he visto, Alphaville, posee un gran tinte político; pero en ella, critica, recreando un posible futuro social cercano al que Orwell o Huxley presentan en sus famosas obras “Un mundo feliz” y “1984″, (obras que quedarán unidas en cientos de análisis hasta el fin de los tiempos). Esta película critica el control estatal, el recorte de libertades a favor de ésta y por tanto la pérdida de identidad personal a favor de un sistema que se supone es más cómodo y placentero aunque acabe con elementos tan valiosos como el enriquecimiento cultural y del conocimiento.

Pero no es sólo en sus guiones cinematográficos donde representa su reivindicación o postura política, y es aquí donde entramos de lleno en la cuestión del tema, porque es también en su técnica en la que lleva a cabo está crítica. Godard quiere que cualquier humano tome parte de la revolución necesaria del individuo para liberarse del yugo de la sociedad en la que vive. Cree en la idea del hombre que observa y quiere saber, actúa, que no se queda quieto y sigue la acción. En la moral y en el propio ser de todo humano debe encontrarse esta actitud ante la vida porque es la que nos convierte en merecedores de la libertad individual.

Esta idea tan romántica y soñadora es la que lleva a Godard a la utilización masiva del travelling que representa a la figura humana del espectador. De este modo pretende que el público mantenga en sus películas la actitud que su cámara otorga. Una actitud participativa y transgresora. Sus películas están hechas para aquellos que no cierran los ojos ante las adversidades y afrontan su papel de individuo social y político que debe tomar la iniciativa. Este hombre debe afrontar la realidad sin miedos del mismo modo que debe luchar por lo que cree. De este modo el individuo alcanzará la moral de la que Godard hace gala en su famosa frase. Jean-Luc como comunicador masivo se ve en la responsabilidad de adoptar su papel de concienciador a través de su cine y por ello lo convierte en una cuestión moral a la que no puede faltar.